Mirar, por el puro placer de descubrir.
Descubrir, por el puro placer de disfrutar.
Y aprender. Y comprender.
Cristina Llorens. Miradas: arte y ciencia (2023)
Desde el año 1996 la Fundación Alió promueve, fomenta y desarrolla actividades sociales y culturales relacionadas con el campo de la Visión y la Oftalmología, así como las propias de una Organización de Cooperación Internacional para el Desarrollo con la labor del catedrático en Oftalmología e Investigador de Honor de la Universidad Miguel Hernández (UMH) de Elche, presidente honorífico de la Fundación Jorge Alió y con la dirección y coordinación de esas acciones de su presidenta ejecutiva, María López. En el año 1998, dentro del conjunto de actividades culturales organizadas con motivo de la celebración del 74 Congreso de la Sociedad Española de Oftalmología ALICANTE SE0’98, la Fundación Jorge Alió para la Prevención de la Ceguera, organizó una gran exposición, denominada ´El Arte de nuestra tierra´, en la que participaron importantes artistas alicantinos.
A partir de esa idea, la Fundación convoca el I Certamen Nacional de Pintura ´Miradas´, con carácter bienal, con el objetivo de promover y atraer la atención tanto de artistas como de la sociedad acerca de la importancia de los problemas de la visión y de la prevención de la ceguera. Y, en la edición del año 2002, se suma a los de ´Miradas´ un nuevo galardón, el Premio de Honor a la ´Mejor Trayectoria Profesional y Artística`. Se inició con el objetivo de reconocer a una persona que con su dilatada experiencia y trabajo artístico crea alguna de sus obras en conexión con la mirada, su significado y su relación con la visión.
En la muestra “Visión, Medicina y Arte”, participan los premiados, por orden cronológico, 2002, Manuel Sierra Barseló; 2004, Polín Laporta; 2006, Félix Revello de Toro; 2008, Luis Feito; 2010, Cristóbal Toral; 2012, Josep Puigmartí; 2014, Jesús Lozano Saorin; 2016, Paloma Navares; 2018, Eduardo Naranjo; 2020, José María Yturralde y 2023, Ángel Mateo Charris. Es una exposición temporalen el Museo Infanta Margarita de la Real Academia Nacional de Medicina de España, del 31 de mayo al 23 de septiembre de 2024, organizada por la Fundación Alió. La pregunta que podemos hacernos es: ¿Qué tienen en común las once obras de la muestra? Y la respuesta enlaza con que es una muestra colectiva que enhebra el hilo simbólico y la idea que transmiten, en esencia, una percepción de la mirada, a lo que se une la creatividad exclusiva de cada artista. Se trata de una exposición de primer nivel por la destacada trayectoria profesional de los creadores y sin duda, por la creatividad singular de cada artista.
De ahí que cada apartado se inicia con el año del premio y a continuación el nombre del artista. Por otra parte, dadas las extensas y destacadas trayectorias profesionales, a continuación, presento una muy breve referencia. También de forma sintética comentaré algunos de los detalles de cada una de estas once obras, con la idea de sugerir algún elemento de esa creatividad e invitarles al tiempo a bucear en las páginas web y en la extensa bibliografía y así descubrir a cada artista premiado.
2002
Manuel Sierra Barseló. Tarazona de Aragón, 1944
Sierra Barseló, además de economista, ingeniero y pianista, es un maestro del dibujo y de la pintura, en sus obras se reflejan vivencias, emociones y creación en libertad. En Belleza sin traductores, catálogo de una de sus exposiciones en el Palacio de Montemuzo, de Zaragoza, Wifredo Rincón, historiador, investigador y crítico de arte escribe: el artista “nos presenta una realidad, su realidad; un mundo, su mundo… Paisajes, espacios y personajes. Y todo ello, medido, contenido”. Y, Sierra Barseló, en su texto, escribe “Todos los días, todos los años de cinco décadas buscando y hallando… Hasta dar con el dibujar por manchas, luz y sombras en equilibrio gamático”. Pintor con más de 90 exposiciones es un activo creador de proyectos como el Espacio expositivo y creativo Sierra Barseló (2018-2020).Abierto con una parte de su colección de pintura y dibujos, en su ciudad natal con estudio y taller. También en Zaragoza hace escuela y enseña su propio estilo de dibujo, pintura y continúa con la Asociación Sierra Barseló. Y, con su equipo de colaboradores, está trabajando en su web.
SELF SIGHT. Manuel José Sierra Barseló, mixta tela 130×130 cm. Foto: Fundación Alió
El título en inglés de esta pintura al traducirlo nos lleva al de VISTA PROPIA, un impresionante autorretrato del artista que nos mira de lado, con un ojo. Es la composición de la obra, es su mirada la que nos capta, la que nos perturba, pero también puede ser la elección del rojo y el negro por parte del pintor que, directamente, añade otros significados abiertos al que mira, porque le puede inquietar, perturbar, asombrar debido a los diversos significados del color rojo. Podría significar fuerza, pasión, emoción. Y también denotar misterio, en los contenidos tonales del negro.
2004
Polín Laporta. Alcoy 1920 – Alicante 2004
Concepción, Polín, sobrina nieta del pintor Francisco Laporta. De familia culta y acomodada comienza su actividad artística explorando por su cuenta. En 1953 se traslada a Madrid, se forma en el taller de Marisa Roesset, y a partir de 1963 es Vázquez Díaz, quien le enseña a “simplificar la paleta de color y la mirada sobre el objeto”, como ella misma afirmaba. Desde su primera exposición en la Galería Toisón de Madrid (1960), la actividad artística de Polín ha sido constante con numerosas exposiciones, diversos galardones, presencia en museos, como el de BBAA de Valencia, el de Vilafamés. Su última exposición en vida, fue meses antes de fallecer por un repentino infarto cerebral, en mayo de 2004, en Palau de Altea. Aunque ahora no puedo extenderme recuerdo a Polín porque tuve el privilegio de conocerla.
EL COSMOS NOS MIRA. Polín Laporta Albors, mixta sobre lienzo, 146 x 114 cm. Foto: Fundación Alió
La obra de Polín Laporta, serena, simbólica y ensoñadora a un tiempo, desprende ese sentimiento poético lleno de sensibilidad. Con esa carga de arte, de simbolismo, de ausencia, de pérdida y de encuentro, de presencia, en el lienzo, de esa mirada que nos mira. Es de destacar la visión anímica, casi mágica, que Polín tiene sobre la vida que nos rodea. Desde este punto mágico de ensoñación, nos transporta a una visión del mundo muy idealizada, efectista, con colores que le recuerdan la luz alicantina. Esta obra, que además de esas características tiene una carga emocional añadida que explicaba con detalles en la revista El Salt el escultor Juan Ribes, fue entregada a la Fundación Alió tres días antes del fallecimiento de Polín.
2006
Félix Revello de Toro. Málaga, 1926
Pintor, dibujante y excelente retratista. Becado por el Ayuntamiento de Málaga en 1943 para estudiar Bellas Artes en la Academia de San Fernando de Madrid, que finaliza en 1950. Obtiene la beca Carmen del Río, se traslada a Roma, y también estudia en la Academia Bellas Artes de España en Roma. A su vuelta expone en la Galería Macarrón de Madrid, con buena crítica, a la que seguirán otras importantes exposiciones. En 1987 es galardonado con el Premio Nacional de Pintura Rafael de Penagos. En 1991 pinta dos grandes retratos oficiales de los Reyes de España para la sede de ABC. Diez años después, gran exposición retrospectiva en Madrid e igualmente retrospectiva, en 2004, en el Museo Municipal de Málaga. Y en el 2010 se inaugura formalmente el Museo Revello de Toro.
CONCLUYENTE MIRADA. Félix Revello de Toro, óleo sobre lienzo, 130 x 90 cm. Foto: Fundación Alió
El pintor decide el título, crea la obra y expresa con evidente claridad su mirada a esta concluyente mirada. Enigmática mujer que irrumpe en el cuadro sólo envuelto con la complicidad de su camisón. Formas de leves cadencia, vislumbran el contorno del cuerpo invitando a soñar a quienes la vean. En su juego oculta gran parte del semblante y solo deja ver sus bellos ojos escrutadores. La composición delimita un interior con el protagonismo de una mujer como eje del cuadro, aplomada en su vertical. Una serie de objetos esbozados a su alrededor conforma su intimismo.
2008
Luis Feito López. Madrid, 1929 – 2021
Pintor, dibujante e investigador en la pintura. En 1949 ingresó en Bellas Artes en la Escuela de Artes y Oficios, después accedió a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Y, en 1954, realizó sus primeras exposiciones individuales, en las galerías Buchholz y Santa Fe de Madrid. En 1955 marcha a París con una beca que recibió del Instituto Francés de Madrid. En París frecuentó a Poliakoff, Hartung, Rothko o Fautrier. Su libertad artística y su trayectoria le llevaron, junto con los pintores Saura, Millares y Canogar a fundar, en 1957 el grupo “El Paso” a ellos se unieron Ayllón y Conde y más tarde Juana Francés, Suárez, Serrano, Rivera, Viola y Chirino. Creador y pintor infatigable con un lenguaje pictórico propio en el que a partir de los años sesenta introduce una gran mancha de color rojo en la composición de sus obras que en su trayectoria sería un referente. Artista internacional, residió en Montreal, en Nueva York, tiene obra en colecciones y Museos muy importantes como el Museo de Bellas Artes de Montreal, La Fundación Guggenheim en Nueva York, el Museo de Arte Moderno de México D.F, el Museo Nacional de Arte Moderno en París o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. En 1990 fijó su residencia en España, donde siguió creando y en el 2002 el Reina Sofía organizó la primera gran retrospectiva del pintor madrileño con una trayectoria de más de medio siglo.
Sin Título. Luis Feito, acrílico sobre lienzo, 146 x 114 cm. Foto: Fundación Alió
Entre las muchas virtudes que rodean a Feito quizás la más destacable, según el doctor Alió, sea la humildad al crear sus obras, como en esta sin título. Es esa sensación de la visión que compone en su obra. Una personalísima abstracción a la que podemos añadir la poderosa fuerza creativa de la pulsión gestual, la transmisión de sensaciones y sobretodo, esa emoción que traspasa la búsqueda de una interpretación. Una ruptura, una claridad buscada por el pintor, en el fondo del cuadro, donde una gran mancha de color rojo se encuentra con la fuerza tonal del color negro que intensifican la composición y también encontramos a Feíto en los toques gestuales del color violeta.
2010
Cristóbal Toral, Torre-Alháquime, Cádiz, 1940
Uno de los pintores más destacados del Realismo. A Cristóbal Toral se le considera de Antequera, donde, desde niño le gustaba dibujar y donde se forma. Recibe una beca de la Caja de Ahorros de Antequera para estudiar en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, entre 1959 y 1961. Continúa su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid donde destaca por su técnica depurada, creativa y también por su característica mirada como testigo de su época, hasta el año 1964. Entonces obtiene el Premio Nacional Fin de Carrera. Entre 1968 y 1969 consigue dos becas de la Fundación Juan March para ampliar sus estudios en España y más tarde en NY donde en 1972 realiza su primera exposición individual, en una importante galería, Galería Staempfli. Representa a España en Bienales internacionales y en la 1977, de Florencia, se le concede la medalla de oro en la XXIII Bienal. Sus obras pueden verse en museos de todo el mundo como el Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el Sofía Imber de Caracas, el Moderno de Bruselas, el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
LOCALIZACIÓN EN EL COSMOS DE GENTE OBSERVANDO UN OJO.Cristóbal Toral Ruiz, acuarela sobre papel, 104 x 139 cm. Foto: Fundación Alió
Cristóbal Toral es un maestro de la pintura, extrae su contexto figurativo desde la vanguardia nacional e internacional. Su realismo pictórico transmite la esencia de su presencia, de sus sueños, de sus experiencias, de sus miradas, desde una perspectiva en ocasiones surrealista. Cristóbal Toral pinta lo que ve y como lo ve, metiendo la realidad en la composición con impecable realismo. Nada mejor que su obra para expresar los valores de la visión: detalle, perspectiva, cromatismo, emociones. La obra tiene esa característica de encuentro académico, de conferencia o congreso, y el foco visual es la mirada dirigida a un ojo.
2012
Josep Puigmartí Valls.Monistrol de Calders, 1932 – Sitges, 2020.
Desde muy temprana edad, demuestra un precoz interés por el arte. En 1956, su primera exposición individual se muestra en las importantes Galerías Syra, situadas en el Paseo de Gracia barcelonés, en la espléndida Casa Batlló de Gaudí. Al año siguiente inicia una aventura continua, transgresora, original, de bohemio o vagabundo por el mundo, tal y como le gustaba a él definirse. Desde el año 1956, ha realizado más de 200 exposiciones en todo el mundo, en Cannes, Mónaco, Ginebra, Génova, Bruselas, Copenhague, Estocolmo, Goteborg, Los Ángeles, Beverly Hills, San Diego, Culver City, NY, Osaka, Tokio, Yokohama, Shangai, Canton, Abudhabi, Miami, Andorra. Una de sus series está dedicada a los ojos. Y entre los libros publicados sobre este artista está el titulado Historia de los ojos, escrito por Vicenç Llorca, fundamental y documentado, dice “Pintar el ojo no es tan solo dotar la mirada de pintura sino, construir una visión del mundo. Saber es saber mirar. Y pintarlo es atreverse a crear este saber.
¿QUÉ MIRAS?Josep Puigmartí Valls, mixta sobre lienzo, 185 x 188 cm. Foto: Fundación Alió
La imagen cuestiona a quien la mira con ese título ¿Qué miras? o es el artista el que pregunta el que provoca de forma directa incomodidad, desacuerdo o pasividad ante la obra. Destaca la posesiva y retadora imagen del ojo rodeada por un estado de ensoñación y fantasía. El ojo es el arte de la creación. Puigmartí transita por el lienzo, pinta y construye su visión de mundos, de un mundo contenido en una mirada. El ojo, se representa en muchas de sus obras artísticas como una parte de la vida de los seres humanos. Es un artista de la extroversión, su visión del mundo pasa por la visión de sus ojos, por cómo ve las cosas, por cómo las interpreta intuitivamente y cómo las refleja en sus lienzos con una rapidez y seguridad prodigiosas.
2014
Jesús Lozano Saorin. Jumilla, 1957
Pintor acuarelista. Residió en Jumilla hasta los veinte años que es cuando se traslada a vivir a Elche. Desde pequeño sintió una clara vocación por el dibujo y la pintura. En su blog Arte Saorin, subraya que ha participado en 213 exposiciones, individuales y colectivas. Entre ellas, me voy a referir a su primera exposición individual, con 24 pinturas al óleo, en el año 1982, en la sala de exposiciones de la Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, en Jumilla y, a una de las más recientes, la de 2019, en el mismo lugar, con 24 pinturas a la acuarela. Saorin parte de ese contexto de la pintura al óleo que en su trayectoria de práctica artística le lleva a la facultad que le ha convertido en un maestro de la pintura a la acuarela. En enero de este 2024 inauguró la exposición Al Límite del tiempo, en la Fundación Círculo Burgos. Y en el mes de mayo participó en la colectiva del 25 aniversario de la Galería Libre, en el Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona. Es citado en más de sesenta Catálogos, Revistas Especializadas, Libros y Diccionarios Artísticos. Ha presentado en febrero de 2024 su libro Memoria 1982-2022. Ha recibido numerosos premios o menciones, entre ellos, el Premio Internacional Reina Sofía en el LXXIII Salón de Otoño de Madrid, el año 2006.
MIRAR DESDE LA PRIVACIDAD. Jesús Lozano Saorin, acuarela, 100 x 134,7 cm. Foto: Fundación Alió
En palabras del artista, con esta pintura a la acuarela ha pretendido evidenciar el sentido de la propiedad y el celo por la privacidad. Localizó esa puerta en una casa de campo en el término de Aspe, Alicante. En la imagen vemos un trozo de puerta de dos hojas de madera vieja y deteriorada. Forradas con chapas unidas y clavadas en las que en algún momento se vertió pintura blanca. Están unidas por una cadena y un candado. Destaca a modo de mirilla un embellecedor de cerradura, tras la cual vemos un ojo. En cuanto a la ejecución le ha resultado compleja porque las dimensiones son el doble del tamaño natural de los objetos representados.
2016
Paloma Navares, Burgos, 1947.
Artista Multidisciplinar. Pionera y creadora de un lenguaje plástico propio caracterizado por el uso de nuevas tecnologías, le interesa la utilización del espacio, la luz y las diversas técnicas. Sus primeros trabajos audiovisuales están ligados a la performance y la danza. Desde sus inicios en 1979 hasta el momento actual ha realizado más de un centenar de exposiciones en todo el mundo, estando presente en Ferias y Bienales. Su obra, clasificada por etapas y series, responde a diversos procesos de investigación en los que indaga las temáticas sociales, profundiza en el mundo de la mujer, sus ritos, costumbres y tradiciones. Su lenguaje plástico está construido desde la idea de hibridez y de la práctica interdisciplinar. Fotografía, vídeo, sonido y luz se unifican en sus instalaciones, esculturas, objetos o collages”. En su web se muestra su trayectoria profesional, trabajos, bibliografía, colecciones, catálogos, investigaciones académicas, vídeos, documentales, entrevistas e imágenes de las más de 24 series artísticas. Paloma Navares ha sido con «Luz de intuición», Premio Trayectoria Fundación ENAIRE 2024. Y expone en la Sección oficial PHotoEspaña 2024. Pabellón Villanueva, Real Jardín Botánico de Madrid.
ALEGRES ERAN MIS OJOS. Paloma Navares, impresión sobre dibond, 150 x 180 cm. Foto: Fundación Alió
Según la artista, es un canto, un pequeño poema y una dedicatoria a la ciencia, a las personas que se dedican a ella y a todos los que percibimos su esfuerzo conservando el privilegio de ver el mundo. Es una fotografía realizada dentro de la investigación que sobre flores y otros elementos de la naturaleza viene realizando en los últimos años. El motivo de inspiración ha sido la visión y la capacidad de mirar. Los ojos como elementos de conexión con la realidad y de generar en cada uno de nosotros un imaginario personal que nos explica el mundo y nos capacita para disfrutar de su belleza. El título habla de nostalgia y de tiempo.
2018
Eduardo Naranjo, Monesterio, Badajoz, 1944.
Pintor, dibujante y grabador. Se forma en la Escuela de Artes y Oficios de Sevilla, recibe una beca de la Diputación de Badajoz, estudia en la Escuela Superior Bellas Artes, de Sevilla y continúa su formación en la de San Fernando, de Madrid. En 1969 recibe la beca Castellblanch viaja a París donde se embebe de las vanguardias y de los diversos lenguajes artísticos. En ese proceso perfila su estilo hacia un realismo simbolista. Expone en 1972 y 1974 en la madrileña Galería Loring. Y en ese año con el dibujo “Sueños blancos” recibe el Premio Luis de Morales, en Badajoz. Como grabador hay que mencionar la serie de grabados para el libro Poeta en NY de Federico García Lorca (1986-1991). Tres años después el Museo de Grabado Español Contemporáneo le concedió el Premio de Grabado María de Salamanca. Por otra parte, ha realizado la escenografía de La Casa de Bernarda Alba de García Lorca junto a Miguel Narros y José Carlos Plaza. A lo largo de su trayectoria destacan numerosas exposiciones, “En torno al realismo”, nacionales e internacionales que se detallan en la web del artista. Así como obras en museos como el Museo Reina Sofía de Madrid o el MEIAC de Badajoz.
EL UNIVERSO EN LA MIRADA. Eduardo Naranjo, óleo sobre lienzo, 89 x 56 cm. Foto: Fundación Alió
El texto de la cartela escrito por Eduardo Naranjo describe el porqué de su obra, de forma más extensa, aunque aquí lo resumo. Pensado en cómo expresar la idea de la mirada, el artista descubre en la estantería de su taller de Monesterio el libro de relatos, aforismos y personajes de Manuel Pecellin, con una acuarela suya como portada. Entonces lo consideró como boceto, pensó en el ojo que todo lo ve, en lo significativo de las sensaciones a través de la mirada. La vida, y en su parte inferior la anónima y heterogénea humanidad con sus debilidades sin dejar de integrarse al deleite de lo que en el cuadro está sucediendo, o el ojo ve.
2020
José María Yturralde, Cuenca, 1942.
De este pionero con una trayectoria artística increíble tomamos una síntesis de su curriculum, de su andadura como licenciado y doctor en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, director del departamento de Pintura de dicha Universidad. A mediados de los años sesenta atravesó una etapa de experimentación en el "informalismo matérico", a partir del cual evolucionó hacia la abstracción geométrica y el "Op" que le caracteriza, en la que se detectan las influencias de Vasarely. En 1966 trabajó en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, fundado por el pintor Fernando Zóbel. En 1967 fue miembro fundador del Grupo ‘Antes del Arte’ y empezó a hacer Arte Cinético; este interés por la tecnología se acentuó con su participación en los seminarios del centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, que le introdujeron en el trabajo con ordenadores. Su primera exposición fue ‘Formas Computables’, en 1969. Obtuvo el Premio Ibizagràfic 72 y 76. Tb el premio ‘B.G. Salvi’ y el ‘Premio Europa’ Ancona, Italia y becado por la Fundación Juan March en 1974 para investigar en el Centro de Estudios Visuales de Massachusetts. Ha desarrollado un tipo de arte próximo a la ciencia como sus “Figuras Imposibles”. Yturralde es Premio Nacional de Artes Plásticas de 2020.
FIGURA IMPOSIBLE (SERIE CUADRADOS). José María Yturralde, pintura acrílica sobre lienzo, 150 x 150 x 8 cm. Foto: Fundación Alió
En la cartela está escrito el texto completo que Yturralde escribió sobre esta obra aunque ahora comparto con ustedes un resumen: El cuadrado pertenece mentalmente, con su firme presencia, a un comportamiento estructural… Perceptivamente le atribuimos el sentido de organización, estabilidad, y firmeza que transmite seguridad. El cuadrado y por extensión el cubo simboliza la tierra alude a lo material a la intención racional y a la “praxis”. Las leyes de estos “lenguajes” proyectivos son transformadoras en función de un orden semántico relacionado con la poética espacial, la expresión y lo que es más importante, la emoción, la pasión que fundamentan toda obra artística y trasciende todo lo demás.
2023
Ángel Mateo Charris, Cartagena, 1962
Desde primaria y secundaria empieza a interesarse por la pintura, la literatura y la música, son datos del archivo de la Fundación Alió y que en síntesis a continuación comentamos. En 1980 ingresa en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, donde se especializa en Pintura. Durante estos años de formación (con profesores como Sento, Juan Barberá o José María Iturralde) se interesa por diferentes aproximaciones al hecho artístico, desde las más tradicionales (pintura de paisaje o retrato) a otras más novedosas (videoarte, fotografía). Al finalizar la carrera, comienza a realizar trabajos de diseño gráfico, cuyos métodos compositivos influirán de manera determinante en su obra. Su producción más reciente une muchas épocas de su trayectoria como las escenas de nieve, tan presentes en obras de los años noventa, un ciclo completo que llamó Blanco, donde se mezclan con las tramas y geometrías de los últimos años: puntos, redes, estructuras geométricas, que son una mera agrupación de átomos más o menos aleatoria, sea piedra o carne, aire o materia.
EL SUEÑO DEL OFTALMÓLOGO.Ángel Mateo Charris, óleo sobre lienzo, 75 x 100 cm. Foto: Fundación Alió
Sigo el texto del artista referido a esta obra, que dice lo siguiente: Un hombre escala las alturas hasta el ojo de una escultura tallada en piedra de la montaña. Una de esas gestas heroicas y aventureras que excitan nuestra imaginación. El sueño del oftalmólogo habla de pasión, de perseverancia, de peligro y de belleza.
Las montañas están sacadas de una fotografía que tomé desde una avioneta sobrevolando el monte McKinley, en Alaska. El ojo puede ser de cualquiera de esas monumentales esculturas pétreas, una de esas que hacen que el hombre parezca diminuto a su lado, como cualquier hormiga en un guijarro. Y al final y al principio, sólo pintura. Al fondo, lo azul y lo lejano. Delante, los anhelos y los sueños”.
En síntesis, he tratado de trazar un breve descubre de los artistas Premio de Honor a la ´Mejor Trayectoria Profesional y Artística` de la Fundación Alió, de 2002 a 2023. Cada uno con su obra conforman la exposición VISIÓN, MEDICINA y ARTE, del 31 de mayo al 23 de septiembre de 2024, en la Real Academia Nacional de Medicina de España.
Referencias bibliográficas: